por Aurelio Carnero Hernández | Ago 29, 2015 | Artículos, Cine |
Generosos parabienes, sin sombra, y elogiosos comentarios; éxito popular y críticas que brillaron por su ausencia cerró en este 2015 la IX Edición del Festival de Música de Cine de Tenerife (Fimucité), celebrado entre el tres y 11 de julio en Santa Cruz de Tenerife.
Pero no todo son virtudes. Este encanto se rompe con dos carteles anunciadores mostrado con letras grandes y de colores con imágenes no de mucha calidad, de personajes de películas estrenadas en el año 1985 (celebrando , supongo, su treinta aniversario) en supuestos homenajes las bandas sonoras de las mismas: Regreso al futuro (R.Zemeckis), Cocoon (Ron Howard), Lady Hawk (Richard Donner), Los Goonies (R. Donner), Legend (Ridley Scott), etc..Tengo que decir -y me apena- que son carteles ramplones y falsos con textos en inglés que se mi apuran sobran por su infantilismo A lo que se añade un diseño muy facilón y muy visto que cuestiona, así, la majestuosa, generosa y diversa capacidad de persuasión del arte cinematográfico.
Es de justicia destacar que en las dos últimas sesiones, el éxito fue mayúsculo. Dio resultado: eso es indudable y ocurre todos los años, con un público totalmente entregado. Y ahí hay que saludar a los organizadores por atraer a la sala principal del Auditorio Adán Martin de Tenerife a numerosas personas que jamás pisarían el mismo para oir música orquestada. Esto también indica que desde el principio del festival la filosofía del equipo organizador venía con esa impronta conscientes que era la única manera de que Fimucité tuviera arraigo en la ciudad y recibiera los oportuna financiación era este el camino: establecer continuos homenajes a los grandes compositores y sus películas correspondientes que hicieron de los estudios de Hollywood la mayor potencia del discurso del american way of life. A estas alturas nadie niega la gran admiración que sentimos y sienten varias generaciones por el gran cine norteamericano. Es normal y fácil refugiarse bajo la arboleda de las colinas de Hollywood. Y si a esto se le suma el aprovechamiento de los mejores recintos culturales de la isla: El Auditorio Adán Martín, El teatro Guimerá, el TEA, el Paraninfo de la ULL, con el añadido de la excelsa presencia de la OST y orquestas locales y cantantes que tan bien saben imitar el estilo jazzistico y musical de Broadway y Hollywood, el éxito estaba asegurado.
Otra cosa son los criterios de selección: muy discutibles a mi modesto parecer. Por ejemplo en el año de marras destacó por encima de todas el estreno de Trono de sangre de Akira Kurosawa . ¿Por qué no una simple y sencilla referencia musical? ¿O una sesión completa dedicada a su banda sonora?
Por otro lado, a nadie se le escapa que muchos aficionados al cine somos muy amantes de las buenas bandas sonoras en disco vinilo, cd, dvd, etc.. Por eso, gozar en vivo de parte de esas músicas es un privilegio. Aunque es verdad, e insistiendo en lo mismo, estas versiones enlatadas en su mayoría, son bandas sonoras completas y con orquestas que respetan con fidelidad el tono de la música. Cosa que por el contrario no se puede decir de la propuesta de Diego Navarro, que tiene la extraña manía de llevar por regla general las piezas programadas en clave de fortísimo (fortisimocité?) que distorsionan y y disfrazan el auténtico valor de las bandas sonoras hasta un límite que hace que sean irreconocibles por los desgustadores de las mismas. Son tantos los numeritos exhibidos, con la complacencia del director y responsable, que muchos amantes de las banda sonoras, que acogimos con simpatía este festival nos cuesta cada año ir a los conciertos desertando de ellos de un forma nada disimulada. A pesar del agradecimiento pertinente a la significada OST, que me temo sigue esos pasos caprichosos con enorme esfuerzo atlético y un abnegado sacrificio la imposición maniática del Director- Sol.
Uno de los objetivos que se habían señalados era hacer visibles las bandas sonoras y sus compositores; pero todo esto contrasta con una información escasa y pobre con un programa de mano más propio de una fiesta pueblerina: nula información sobre la biografía de los compositores homenajeados, nula información sobre la ficha técnica de las películas (al menos el nombre del director y fecha estreno y una mínima sinopsis, y no pido la ficha artística) Uno comprende que los asistentes a los conciertos no van a salir volando a buscar esas películas que me temo en su mayoría no han visto o no conocen a excepción de las populares películas de Hollywood, pero alguno se vería interesado por una mayor información si quieren gozar de las mismas. El riesgo que existe, sino es ya una realidad es que se abstraigan de su madre que es la película: no es un homenaje solitario a músicas inolvidables, es un recordatorio a esas películas de mayor o menor calidad que hicieron posible la existencia del discurso musical.
Este texto solo es un esbozo de lo que como crítico y observador pienso del festival. . No he querido profundizar de las jornadas paralelas o actividades complementarias porque sería alargarme mucho incluyendo los criterios de selección de los conciertos, que, aveces, no se entienden. Bueno, si me gustaría señalar el escaso y la poca atención, por no decir desprecio, que se hizo en el homenaje al músico francés Francois de Roubaix, que murió ahogado en las costas de de Arona en el sur de Tenerife, en el año 1975.Estas sesiones fueron un dechado de abandono y soledad : en la última sesión nos encontramos solo la familia y dos espectadores. Este músico es un profesional muy cualificado y que recreó con sus propuestas musicales uno de los grandes géneros del cine francés: el cine negro que tanta gloria dio a la cinematografía gala.
También quería señalar la decepción enorme que me produjo la penúltima jornada dedicada a los compositores franceses. Empezando con Georges Delerue, (músico preferido por Truffaut) con la bandas sonoras de las mejores películas del director francés. Sin ninguna presentación u comentario sobre su figura. Circunstancia que se repitió con el resto de los músicos franceses homenajeados. Además para mayor menosprecio sobre este compositor su música se interpretó en un plis-plas sin tiempo alguno para saborear los delicados sonidos de las películas de Truffaut. Todo ello desprestigia un festival dedicado al séptimo arte. De los otros músicos: Legrand, Jarre, Lai, Sarde se insistió sobre todo en sus películas americanas y nadie pidió disculpas o explicaciones sobre la no programación de Imitation Game y Gran Hotel Budapest de Alexandre Desplat. Para mí es un desastre y un deshonor sobre todo en la interpretación de Los paraguas de Cherburgo (Jacques Demy, 1964 ) con música de Michel Legrand en un inexplicable y una vez más insistente fortísimo que no venía a cuento y machacando la parte de la banda sonora más conocida y popular . Quiero pensar que muchos de los presentes apenas habían visto las películas a excepción de las mas populares. Sobre todo el público joven que no habían nacido cuando la mayoría de las películas se estrenaron Mayor razón para imponer un mínimo criterio didáctico fílmico para mantener el reconocimiento que se hacía a través de la música. Porque es para mi esencial para amar las bandas sonoras conocer previamente los filmes que la originaron pese a su calidad o desconocimiento.
Nota Final: Películas que se estrenaron en 1985 y cuya música no fue programada:
La Rosa Púrpura del Cairo, de Woody Allen; La Vaquilla de Berlanga; Corrientes de Amor de John Cassavetes; Cotton Club de Ford Coppola; La nave va de Fedrico Fellini; Amadeus de Milos Forman; Los Gritos del silencio de Roland Joffe; Papá está en viaje de negocios de Emil Kusturica; Pasaje a la India de David Lean; Erase una vez en América, de Sergio Lene; Extramuros de Miguel Picazo; 1984 de Michael Radford; Padre Nuestro de Francisco Regueiro; Choose me de Alan Rudolph; El coronel Redl de Istvan Szabo; Tierra de nadie de Alain Tanner; La selva esmeralda de John Boorman; Sangre fácil de los Hermanos Coen; Doble cuerpo de Brian de Palma; Perro blanco de Samuel Fuller; Historia de un soldado de Norman Jewison; Los amantes de María de Alexander Konchalovski;Los elementos del crimen de Lars Von Trier. .
por Cristopher Morales Bonilla | Jul 25, 2015 | Cine, Críticas |
Toda la saga de los dinosaurios parece resumirse en una frase que se dice en la primera entrega: «la vida se abre paso». El componente salvaje de la naturaleza, representado por los dinosaurios en todas sus formas y tamaños, siempre acaba por ganar al intento humano de someter la naturaleza a su voluntad. Si las tres primeras entregas no hacían más que darle vueltas a esta idea, siempre en la forma de una historia de víctimas rescatadas por el héroe de turno, la última película de la saga ya no sólo habla de ese componente incontrolable de la naturaleza de los dinosaurios, sino del que existe en las relaciones humanas.
Obviamente, la única forma que tiene Hollywood de tratar esta cuestión es presentar al protagonista como el eterno macho alfa: antiguo militar, amante de las motos (cómo no) y siempre al cargo de la situación. Por si esto no fuera poco, la reafirmación del macho dominante se representa de la forma más absurda posible: es capaz de adiestrar a los velociraptores, esos mismos animales que llevaban comiéndose gente en las tres entregas anteriores. Parece que no hay nada imposible para el verdadero hombre.
Sin embargo, el nuevo Mundo Jurásico está llevado por una mujer, a la que, desde el primer momento, se la presenta como desbordada por la situación. La historia de la película comienza cuando el nuevo engendro de Ingen (ya los primeros dinosaurios lo eran) consigue escaparse de su jaula y empieza a sembrar el caos. Desde el primer instante la mujer, que hasta ese momento había sido capaz de gestionar un parque con decenas de miles de visitantes, se ve incapaz de tomar alguna decisión para solucionar el problema que se plantea. Para según qué cosas se necesita a un hombre. En ese instante, el amaestrador de velociraptores toma el control de la situación, hasta el punto de que en un par de escenas, no puede más que esbozar una sonrisita de placer al ser recordada por sus sobrinos (siempre tiene que haber un niño o varios en esta saga) lo cool que es su novio (no hace falta explicitarla: el macho alfa atrae de forma natural y salvaje).
Para enfatizar más el rol del macho alfa y de la hembra sumisa se introduce el papel del informático (un guiño a la primera entrega pero ahora presentado de forma más humillante). Dos momentos: en el momento del desalojo del parque, él decide quedarse como acto de hombría. Al despedirse de su compañera de trabajo hace lo que todo macho haría (lo que el macho protagonista hace más adelante en la película): tomar lo que es suyo, en este caso a la chica. Sin embargo, un informático no puede ser un verdadero alfa: la chica le recuerda que tiene novio. Es normal que un informático se lleve esas decepciones, porque no es un verdadero alfa. En otro momento, la hembra sumisa decide abrir la puerta del Rex para que éste luche contra el nuevo engendro. Para ello, necesita de la ayuda del informático: «actúa como un hombre por primera vez en tu vida y haz lo que te digo». Por supuesto, el hombre de verdad se dedica a adiestrar a raptores y no a jugar con ordenadores y maquinitas.
Mientras tanto, discurre la enésima destrucción del nuevo Mundo Jurásico, ya que the life finds its way. Pero en todo momento se tiene la sensación de que el verdadero tema es la naturaleza y su esencial violencia, bestialidad y dominación. Por supuesto, los dinosaurios son sólo una metáfora de lo que se presenta del modo explícito en la relación de los protagonistas: en la hora de la verdad, sólo la autoridad, la personalidad afirmativa y dominadora puede controlar cualquier situación. Sólo los fuertes sobreviven. Y funciona.
Por Cristopher Morales Bonilla
por Cultural Resuena | Jul 15, 2015 | Artículos, Cine |
Este fin de semana tuvo lugar una de los mayores convenciones del mundo: el Comic Con International San Diego. Bien es conocido su carácter “friki” por los numerosos concursos de cosplay que tienen lugar pero también por las miles de conferencias que diseccionan los universos del cómic y de los videojuegos. Aun así, se convierte en un destino para curiosos y amantes del entretenimiento.
Durante cuatro días, el Comic-Con es un gran centro de atención para el gran público, ya que se presentan las últimas novedades en el mundo del cómic y los videojuegos, y los grandes estudios de cine y TV presentan un avance de las películas y series que tienen en reserva para los próximos meses.
Detallar lo que ocurrió cada día daría para muchas páginas, así que nos centraremos en lo más destacado que se presentó en cine y TV y lo haremos en dos partes.
DÍA 1
Comic-Con arrancó a lo grande y con dos series que cuentan con una enorme legión de fans a sus espaldas: “Sherlock” y “Dr. Who”. Si hay una cualidad que distingue a los Sherlockians del resto de fans es su eterna paciencia. “Sherlock” es esa serie que ofrece perlas de tres episodios cada 2 ó 3 años, un método eficaz que hace que la serie no canse, mantenga al público en expectativa y se adapte a la apretada agenda de sus protagonistas. Su creador, Steven Moffat, viajó desde Londres con su esposa y productora de la serie, Sue Vertue, y el actor Rupert Graves, que encarna al paciente Inspector Lestrade, para contar poco sobre el especial de Navidad. Basado en la historia corta de Doyle, “El carbunclo azul”, y ambientado en la era victoriana, Moffat considera este episodio como un claro reflejo de que la serie es muy diferente a los libros. En el medio escrito, los personajes femeninos apenas hablan a no ser que sean relevantes para la historia (véase Irene Adler), mientras que en la serie, ellas están al mismo nivel que los personajes masculinos. Cabe recordar que el amado personaje de Molly Hooper es una pura invención de Moffat y su co-guionista Mark Gatiss. Antes de marcharse, Moffat reveló que aún no había empezado a escribir la cuarta temporada, cuyo estreno se espera en 2017, pero que promete una devastación emocional entre el público, mostró un pequeño avance del episodio, una foto de Holmes & Watson y regaló al público un vídeo saludo de Benedict Cumberbatch (Sherlock Holmes), Andrew Scott (James Moriarty) y Mark Gatiss (Mycroft Holmes) que tuvieron que quedarse en Londres por compromisos laborales.
En los paneles sobre cine, cabe destacar “Los Juegos del Hambre: Sinsajo – Parte 2” que marca el final de la franquicia protagonizada por Jennifer Lawrence, Liam Hemsworth y Josh Hutchenson, cuyo estreno se espera a finales de año, y del que se presentó un tráiler que aún no ha visto la luz en Internet. El primer día de la convención se cerró con la noticia de que Ben Affleck está en conversaciones para dirigir, co-escribir y protagonizar una película de Batman después de finalizar la producción de “Live By Night”, que dirigirá en noviembre. Además, Halle Berry durante el panel de su serie “Extant” manifestó su ilusión de protagonizar una película exclusivamente dedicada a Tormenta, el personaje que interpretó en la saga X-Men.
DÍA 2
Fue definitivamente el día de “La Guerra de las Galaxias” en San Diego. Capitaneado por su director, J.J Abrams, el equipo de la reinventada saga hizo su presencia en el abarrotado Salón H para presentar “The Force Awakens”. No se mostraron imágenes de la película, ni se adelantó nada de su argumento, pero sí hubo un pequeño vídeo entre bambalinas con el cual el público pudo comprobar la magnitud y el duende de esta producción, cuyo estreno se espera el próximo 18 de diciembre.
VÍDEO: https://www.youtube.com/watch?v=CTNJ51ghzdY
Hubo reencuentro entre Luke Skywalker, la princesa Leia y Han Solo, y el siempre simpático y amable Abrams invitó a todos los asistentes a un concierto de la San Diego Symphony Orchestra dedicado a la banda sonora de la película.
Carrie Fisher, from left, Mark Hamill, and Harrison Ford attend Lucasfilm’s «Star Wars: The Force Awakens» panel on day 2 of Comic-Con International on Friday, July 10, 2015, in San Diego, Calif. (Photo by Richard Shotwell/Invision/AP)
En los paneles de TV, los grandes protagonistas fueron el elenco de “The Walking Dead” y “Juego de Tronos”. Como viene siendo la tónica, ningún spoiler sobre la sexta temporada pero en este caso, hay una poderosa razón. Los actores aún no han recibido ningún guión de la nueva temporada y están tan a la expectativa como nosotros. Lo que sí hubo fue mucha discusión sobre el sorprendente final de temporada y mucha especulación sobre qué pasará (¿está Jon Snow vivo o muerto?), que despertó muchas risas y buen ambiente entre el público.
¿Queréis saber qué ocurrió en el día 3 y 4? Permaneced atentos.
Olga Parera Bosch
por Javier Santana | Jul 14, 2015 | Artículos, Cine, Críticas |
Estrenada en febrero de 2015 en EEUU y aún por salir en España (aunque ya con un largo recorrido por distintos festivales) Kumiko: The Treasure Hunter (David Zellner, 2014) ha gozado de una recepción más bien templada respecto a las expectativas que en un principio levantó. Se trata de la obra de una década, que los hermanos Zellner han tenido gestando en una preproducción que se remonta al 2001. La película es un estudio sobre el personaje de Kumiko (Rinko Kikuchi), que encarna esa poderosa combinación entre introversión y determinación, que hemos visto en otras protagonistas femeninas como la ya épica Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001) o la adorable Faye de Chungking Express (Wong Kar-Wai, 1994). (más…)
por Javier Santana | Jun 30, 2015 | Artículos, Críticas |
Terrence Malick se embarcó hace ya casi cinco años en una aventura cuyos resultados aún son difíciles de valorar. Su primera obra de esta nueva etapa, la aclamadísima The Tree of Life (2011) consiguió un aplauso unánime de la crítica, la Palma de Oro en Cannes y hasta una nominación a Mejor Película en los Oscar (y todo el mundo sabe que la academia norteamericana solo nomina películas de tal calibre cuando no les queda más remedio). No obstante, Malick puso a prueba la consistencia del criterio de quienes alabaron su The Tree of Life al dirigir To the Wonder (2012) y, la película que ahora nos ocupa, Knight of Cups (2015). Estas dos películas son herederas de aquella en estilo visual, estructura narrativa y proyección estética, pero no en temática. Lo que está en juego en la crítica de estas dos películas es precisamente hasta qué punto se encuentra en ellas una novedad que justifique hablar de evolución, madurez o perfeccionamiento. Las respuestas han estado muy polarizadas y en el caso de Knight of Cups, donde el autor repite su nuevo planteamiento cinematográfico por segunda vez, muchos críticos parecen haber llegado al límite de sus capacidades al emitir su valoración. (más…)
